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Cornucopia: reseña sobre la Semana del Arte de Madrid 2026.

  Cornucopia Abundancia: profusión desbordante de formas, colores y significados. La palabra parece especialmente adecuada para describir la Semana del Arte de Madrid 2026.   En una nota para Almudena Cruz del periódico digital El día en agosto de 2025, el equipo de la galería Artizar definía el rol de la metrópolis española perfectamente: «Madrid es un espacio de visibilidad, pero también de intercambio, de contactos, de presencia institucional y mediática. No se trata solo de vender, sino de participar activamente en el relato del arte contemporáneo en España y de dar a nuestros artistas las oportunidades que merecen», explicaba el equipo de Artizar.   Esta edición ha desplegado propuestas llenas de color, texturas y capas simbólicas. La materialidad -pintura gestual, tejidos, superficies trabajada- dominó muchos stands y confirmó una tendencia clara hacia lo táctil y lo manual. Sin embargo, en medio de esta riqueza formal, como visitante he percibido una cierta ...
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Alec Monopoly no critica el capitalismo: lo celebra, lo estetiza y lo vende

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   ¿Por qué incomoda Alec Monopoly y por qué en tu ciudad —sea Nueva York, Buenos Aires o Madrid— seguramente hay un artista que lo imita? La respuesta no está solo en su estética reconocible ni en el uso insistente de íconos del capitalismo, sino en algo más incómodo: este artista neoyorquino no se presenta como una crítica al sistema, sino como su celebración visual del mismo. Su obra no busca desmontar el imaginario del consumo; lo embellece, lo vuelve deseable y, sobre todo, vendible. En ese gesto, su figura se convierte en un síntoma de una época donde el arte ya no necesita oponerse al mercado para triunfar, sino aliarse a él.   Para entenderlo mejor, conviene compararlo con otros referentes del arte contemporáneo. Banksy, por ejemplo, también es conocido por mantener el anonimato y comenzó en el street art, pero su obra siempre tiene un profundo trasfondo político o social. En sus diversas pintadas, ha criticado el capitalismo, la guerra, o la desigualdad. Monopo...
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“Hazte presente”

    Hacía unos días venía pensando en este tema y justo me topé con un artículo de Datarte de 2024 que hablaba sobre ello. En mi caso, pensaba en la importancia de tener una red cuando se es artista: para compartir, para debatir o terminar de delinear conceptos, para retroalimentar las ideas y las ganas (nada menor, sobre todo para quienes sufren bloqueos creativos o parálisis por análisis).   Titulado “¿Cuál es la importancia de asistir a exposiciones de arte para el desarrollo de la carrera de los artistas?” , el texto destaca los innumerables beneficios de acercarse al arte, introducirse en entornos inspiradores y apoyar a tu red local de artistas ofreciendo tu presencia en sus eventos (exposiciones, presentaciones, lanzamientos).   En el mundo altamente (por no decir demasiado) digitalizado en que vivimos, contemplar una obra en persona puede considerarse un lujo. Parece exagerado decirlo así, pero realmente no son muchas las personas interesadas que pueden d...
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Arte para vivirlo, no solo para mirarlo

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   Ahora que pasó la época más intensa de regalos – amigo invisible de la oficina, Navidad, Reyes- vale la pena detenerse en una pregunta que aparece con frecuencia, aunque no siempre la formulamos de manera explícita: ¿qué lugar tiene el arte en nuestra vida cotidiana? Y, más concretamente, ¿qué significa regalar o regalarnos arte?  Muchas veces el arte queda asociado a momentos excepcionales, a grandes presupuestos o a espacios “especiales”. Museos, galerías, casas amplias, paredes blancas e impecables. Sin embargo, en la vida real, la mayoría habitamos espacios más modestos, multifuncionales y en constante cambio. Y aun así, seguimos necesitando rodearnos de cosas que nos representen, que nos acompañen y que hagan más habitable lo cotidiano.  Seguro te ha pasado alguna vez: miras una pared vacía y sientes que falta algo. No sabes bien qué, pero el espacio se siente incompleto, frío o genérico. En ese punto, muchas personas descartan el arte casi automáticamente, c...
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2025: el año del arte entre récords, caídas y la revolución silenciosa del mercado

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    2025 fue un año de transición y matices en el mundo del arte global, marcado por recuperación tras años de incertidumbre, nuevas dinámicas de coleccionistas, ferias que consolidaron su poder y récords que ampliaron el pulso del mercado.   Si hablamos de ventas que hicieron historia podemos comenzar por el final: en el mes de noviembre en Sotheby’s Nueva York el Retrato de Elisabeth Lederer de Gustav Klimt se vendió por $236,4 millones, convirtiéndose en una de las piezas más caras del año. La obra, parte de The Leonard A. Lauder Collection obtuvo el precio más alto jamás pagado por una obra de arte moderno en subasta.   Otro récord absoluto en subasta, en este caso para una mujer artista: también en noviembre de 2025, una obra de Frida Kahlo, The Dream (The Bed) de 1940 alcanzó cifras que la convirtieron en la pintura más cara creada por una mujer vendida en subasta hasta la fecha. Se vendió por US $54,7 millones, cuando su récord anterior era de US $34,9 mil...
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Maruja Mallo: Máscara y compás

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    La exposición reciente que le dedica el Museo Reina Sofía a la pintora Maruja Mallo tiñe de color esperanza el panorama de las exposiciones retrospectivas de artistas españolas. La desafortunada tradición de poder ver un corpus completo y articulado de obras de arte de pintoras que han sido claves en la historia del arte nacional “tarde” se ha roto con esta exposición comisariada por Patricia Molins de la Fuente.   El montaje curatorial ya plantea una lectura: la exposición no solo recopila obra de forma cronológica, sino que propone una narrativa sobre identidad, género, arte moderno, memoria histórica y reinvención artística que invita a reflexionar sobre la modernidad de Mallo, su marginalidad, su legado y su redescubrimiento. Su título, “Maruja Mallo: Máscara y compás” incluye dos elementos claves de su obra: la máscara, tradicionalmente interpretada como símbolo de identidad, transformación, ocultamiento, o ambigüedad, y el compás como instrumento de geometrí...
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Las máquinas deseantes de Irene Molina

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  Las máquinas deseantes de Irene Molina Irene Molina (Granada, 1997) articula poéticas de la virtualidad y la caricia, concretamente a través de la creación de entornos donde lo escultórico convive con procesos relativos a la computación y la red. Se vale de fotogrametría, impresión 3D, soldadura de metales, animación y simulación para traducir archivos, modelos y flujos de imágenes virtuales en experiencias espaciales. No es casual que esta graduada en Bellas Artes por la Universidad de Granada y Máster en Producción artística por la Universidad de Málaga, haya recibido el premio BMW de Pintura en la categoría de arte digital en 2022. En su producción, lo digital se convierte en un agente estético.     Río & Meñaka, galería de arte contemporáneo fundada en 2018 que representa a artistas nacionales e internacionales con una clara vocación internacional, ha incluido en su programa expositivo a esta joven artista multidisciplinar. Visto lo visto en el marco de Ap...
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