Una chica Almodóvar

Dos de las últimas expos cuyo montaje me ha gustado mucho (que ya sabemos, que el criterio para que elija escribir sobre una exposición que sobre otra es si algo me ha interpelado positivamente): *Bianca Bondi: “Haciendo vaticinios en estanques astrales” (dentro de la programación de Reivindicar la resiliencia).  (Lamentablemente, ya no se puede visitar pero os animo a seguir a esta artista para enterarse de lo próximo). Allí, la artista presentó una serie de estanques con monedas de cobre, flores y conchas sumergidas, rodeadas de vegetación utilizando su material emblemático: el agua salada. Interactuaban diversos materiales y el efecto general era de algo natural, transformador, en constante evolución ya que se mezclaba lo natural con lo artificial. Flores vivas, vegetación, y materiales industriales o manipulados por el hombre, cada uno con ritmos de degeneración diferentes.  Personalmente, me pareció una instalación muy llamativa que ha sabido aprovechar cada espacio de la...

  Arte robado: momento de hacer autocrítica. El arte saqueado ha sido consecuencia del saqueo durante la guerra, los desastres naturales y los disturbios durante siglos. Cuando pensamos en arte de una cultura (digamos, la griega) expuesta en los museos e instituciones artísticas de otro continente totalmente diferente a su propia tradición, hay quien dice “apropiaciones”, hay quien dice sin titubear que se trata de “robos”, y hay quienes se posicionan desde un lugar menos categórico, alegando que las instituciones museísticas al final velan por la seguridad e integridad/conservación de esas piezas. En inglés, el concepto de  looted art  está en boca de todos a raíz de las polémicas experimentadas en la última década donde particularmente Gran Bretaña enfrenta acusaciones de apropiación de piezas de maneras ilegítimas. Ni la ministra británica de Cultura, Michele Donelan, ni el presidente del Museo Británico, George Osborne, piensan que los mármoles griegos deban volver a ...

  La vulnerabilidad masculina en el arte “En la comodidad no hay crecimiento”.    Hace tiempo que vengo pensando en las “nuevas masculinidades”. Surge ese tema en conversaciones, lo veo reflejado en las reflexiones de sobremesa entre amigos varones, eventualmente me detengo en obras de artistas que versan sobre esta problemática. A raíz del hype alrededor de la película Barbie este verano europeo, fui a verla y al salir decidí que era hora de sentarme a investigar un poco más. Principalmente me dio intriga ver dónde se veía esta vulnerabilidad, en el ámbito del arte pictórico. ¿De dónde viene, del pathos griego? ¿Quiénes lo han manifestado a través de pinceladas, los románticos?   El soundtrack mientras escribo no es azaroso: La Morena del Chicamocha. Un descubrimiento musical reciente imperdible: proyecto de la cantautora santandereana Gerson Morena (música tradicional colombiana). Ella es parte de la comunidad LGBTIQ+, vocera de las disidencias, y derrocha...

  Los Nenúfares de Claude Monet, ¿ya eran arte inmersivo? <La pintura es un intento de asumir la vida. Existen tantas soluciones como seres humanos> - George Tooker. Sala 1 del Museo de La Orangerie, París La serie Nenúfares de Claude Monet ( Nymphéas  en francés o  Water lilies  en inglés )  fue elaborada por el pintor francés (1940-1926) durante casi 30 años, inspirado en su jardín de Giverny. En esta localidad de Normandía, a una hora de París “la luz es especial como en ningún otro lugar”, solía decir el maestro del impresionismo. Las vistas de un puente japonés y un estanque con plantas exóticas que le servirían de modelo e inspiración se encuentran intactas y son visitadas por miles de turistas y aficionados al arte.  ¿Cómo un mismo motivo puede ejercer tanta atracción? Existen aproximadamente 250 nenúfares pintados por Monet en los últimos años de su vida. Es sabido que el movimiento en el cual se inscribía el artista dotaba de mucha imp...

  Hace algunos meses tuve muy presente a un profesor que tuve en la Universidad en la materia de Crítica. Lo recordé porque él nos decía lo importante que es el contexto de contemplación. No es para nada lo mismo visitar una exposición el día del vernissage, por la mañana con luz natural y plenos de energía, por la tarde-noche luego de un extenso día de trabajo, o con zapatos incómodos que nos aprietan los pies por haber hecho tanto turismo a pie. Todos esos factores que menciono de forma graciosa, y muchísimos más de la realidad, afectan la forma en que miramos. Tenía planificado visitar la Casa de Sorolla en Madrid que conserva el ambiente original de la vivienda y taller del pintor valenciano un día sábado. Antes de ir me extendí realizando recados y algunas compras, y se hizo la hora de almorzar. Por lo tanto decidí que tenía hambre, y que la exposición “Sorolla-Benlliure. Una amistad, dos artistas” tendría que esperar un rato más. Me detuve en un bar vegano que me gusta mu...

 Sous le ciel de Paris… le business de l’art Visité ambos espacios sin haber investigado previamente sobre ellos, y siendo la única visita a colección pictórica del día. Ambos grupos empresariales llevan en un tiempo en el terreno artístico, pero no había tenido aun la oportunidad de recorrer sus espacios. La Bolsa de Comercio de París es un edificio de planta circular rematado con una (increíble) cúpula ubicado en la rue de Viarmes, en el distrito I de París. El edificio de la antigua Bolsa ha sido reformado por el arquitecto japonés multipremiado Tadao Ando para albergar la Collection Pinault. Este proyecto representa sin dudas la consecución del sueño de un hombre. Un hombre con intereses culturales y amante del arte pero, como pasaría con cualquiera que emprendiese semejante aventura desde la pasión y el deseo, con un gusto personalísimo que no necesariamente refleja con claridad un hilo narrativo.  François Pinault inició la colección alrededor de los años 70 adquiriendo ...

  Notas sobre  “El cristal es mi piel”  de Pauline Boudry y Renate Lorenz,  expo actual en  Palacio de Cristal del Retiro (paseo de Cuba, 4), visitada el 7 de octubre de 2022. Es un site specific donde el dúo de artistas juega con el concepto de transparencia. El Palacio se encuentra permanentemente lleno de humo (puede parecer un oxímoron, la unión de conceptos <humo> y <constante>, pero de eso se trata: el abordaje de lo visible/invisible, lo tangible/intangible, lo transparente/lo opaco. El visitante es inducido a desplazarse (en mi caso, en una coreografía caprichosa). Así, la audiencia se convierte en parte de la obra mientras sobre las paredes 17 altavoces, reproducen la obra musical compuesta para la ocasión. Los movimientos del público la hacen una instalación activa y en constante transformación. Como siempre, tantas vivencias como visitas haya. El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ha informado a la prensa que se trata de exposición ...